15 agosto 2025

15 de Agosto de 1969: el Surgimiento del Rock

Este viernes 15 de agosto de 2025, el calendario nos devuelve a una fecha que vibra en la memoria de los que somos admiradores del rock. Pues fue un viernes de 1969 cuando la parcela de una granja neoyorkina se convirtió en el escenario de algo más que un festival: Woodstock. Ahí creo que definitivamente surgió el rock contemporáneo, porque ya no era música solo para bailar, ni para escandalizar la moral de los adultos de esa lejana década, sino surgió como una forma de protestar por las barbaridades del mundo, de compartir ideales, de resistir y de soñar.

No soy un profesional, musicólogo, ni periodista, simplemente soy un aficionado al rock que ha encontrado en sus acordes, sus letras y sus cantantes una forma de sentir la vida. Y hoy, con esta fecha en la mente, me di a la tarea de pensar en los momentos que, desde mi punto de vista, marcaron la transformación del género, pues el rock dejó de ser la música de los “rebeldes sin causa” y se convirtió en un sonido de múltiples expresiones y evocaciones de la memoria.

Creo que hay tres momentos clave que dibujan el mapa emocional del rock. El primero es su nacimiento como rock and roll en los años cincuenta, entonces fue un ritmo frenético, de la juventud desbordada, era una chispa de rebeldía que encendió todo y abrió el espacio a eso que después se llamó la contracultura. El segundo fue Woodstock, donde el rock se volvió conciencia, comunión, espejo de una generación que buscaba algo más. Y el tercero fue el resurgimiento del rockabilly, que con su estética cuidada y su aire nostálgico, honra los orígenes sin perder frescura pero desligado de alguna tendencia psicosocial.

No pretendo hacer historia ni dar lecciones a nadie. En esta publicación solo quiero compartir videos representativos del rock y expresar lo que pienso como aficionado, como alguien que ha vibrado con los riffs y acordes, o con cada rola. Porque el rock, aunque se ha fragmentado en estilos diversos—heavy, tecno, psicodelia, punk, glam, grunge, indie, etc.— dibujan el mapa emocional de un género que nunca ha dejado de latir desde que nació.

 Atentamente
M.M. Perseo Rosales Reyes
Agosto de 2025


I. El surgimiento del rock & roll: juventud y rebeldía

A mediados de los años cincuenta, Estados Unidos vivía una aparente calma tras la Segunda Guerra Mundial. Pero en ese ambiente, una nueva generación comenzaba a sacudirse las normas y convenciones impuestas por sus padres. Chuck Berry, un joven afroamericano de St. Louis, canalizaba sus inquietudes personales—la discriminación racial, la frustración social y el deseo de independencia—realizando un estilo musical que rompía moldes. En 1955 se dio a conocer con “Maybellene”, una adaptación del tema country “Ida Red”, que fusionaba el ritmo del rhythm & blues utilizando una guitarra eléctrica punzante y letras que hablaban de autos, chicas y deseos juveniles. Chuck Berry, influenciado por el blues de T-Bone Walker y el country que escuchaba en la radio, creó un lenguaje sonoro completamente nuevo: riffs vibrantes, letras que capturaban la vida adolescente y una presencia escénica electrizante.

Esa nueva música hablaba de velocidad, rebeldía y libertad, conectando con una juventud que comenzaba a cuestionar los valores y conductas tradicionales. Canciones como “Roll Over Beethoven”, “Johnny B. Goode” y “Rock and Roll Music” no solo definieron el sonido del rock & roll, sino también su actitud. Pero Chuck Berry también vivía en tensión con el sistema. En 1959 fue arrestado por violar leyes que prohibían transportar a una menor. Aunque el caso estuvo marcado por prejuicios raciales y ambigüedades legales, Chuck Berry fue condenado a un año y medio en prisión. Esta experiencia lejos de silenciarlo reafirmó su impulso creativo: el deseo de romper barreras, de hablarle directamente a los jóvenes, de sacudir los convencionalismos impuestos por una sociedad conservadora. Fue, sin duda, el autor del lenguaje sonoro que daría forma al rock.

Chuck Berry no estaba solo. Su estilo musical se expandió con los aportes de varios talentos. Little Richard, con su voz explosiva y su piano frenético, gritaba “Tutti Frutti”, mientras Elvis Presley grababa “Heartbreak Hotel”, convirtiéndose en el ídolo de una juventud que lo veía como una mezcla de sensualidad, rebeldía y estilo. Jerry Lee Lewis, con “Great Balls of Fire”, incendiaba los escenarios con su energía desbordante. Bill Haley & His Comets se convirtieron en los primeros rockstar ocupando el número dos del Billboard con “Rock Around the Clock”, marcando el primer gran hit comercial del género.

Durante esta etapa, otros artistas como Roy Orbison (“Oh, Pretty Woman”), The Beach Boys (“I Get Around”), The Kinks (“You Really Got Me”) y The Animals (“The House of the Rising Sun”) también dominaron las listas, consolidando el rock & roll como un fenómeno masivo.

El sonido del rock & roll en su etapa inicial era crudo, directo y contagioso. Las guitarras eléctricas marcaban riffs simples pero inolvidables, acompañadas por contrabajos tocados con slap, baterías de ritmo acelerado y pianos que estallaban en cada compás. Las voces eran viscerales, llenas de gritos, gemidos y carcajadas, como si cada interpretación celebrara el cuerpo y la libertad. No había ornamentos: solo ritmo, actitud y una moda tan provocadora como su sonido. Los jóvenes adoptaron un estilo que desafiaba la formalidad de sus padres: chaquetas oscuras de cuero, jeans ajustados, camisetas blancas y botas de motociclista. Elvis Presley popularizó los pantalones entallados, las camisas semiabiertas y los peinados con brillantina que rompían con la estética conservadora. Little Richard, por su parte, rompía esquemas con trajes brillantes, maquillaje llamativo y peinados altos, fusionando teatralidad con irreverencia. Las chicas también se sumaron al cambio: faldas en línea A con tobilleras, blusas ceñidas, chaquetas de mezclilla y peinados voluminosos con cintas o pañuelos. El rock & roll no solo se escuchaba, se vestía. Cada prenda era una declaración de independencia, una forma de decir “no” al conformismo.

A mediados de los años sesenta, este espíritu rebelde cruzó el Atlántico y se -reinventó en la llamada Invasión Británica. Grupos como The Beatles, The Rolling Stones, The Kinks y The Who tomaron la esencia del rock & roll estadounidense y la transformaron en un fenómeno global. Influenciados por el blues, el rhythm & blues y el beat, estos artistas británicos aportaron sofisticación melódica, letras más introspectivas y una estética que combinaba elegancia con irreverencia. The Beatles, con su carisma y armonías vocales, conquistaron Estados Unidos presentándose en The Ed Sullivan Show en 1964 con su canción "I Want to Hold Your Hand", y con ello marcaron el inicio de una memorable era. The Rolling Stones, más crudos y provocadores, canalizaron la energía del rock en himnos como “Satisfaction (I Can’t Get No)”. The Kinks, con un estilo cortante y letras urbanas, y The Who, con su teatralidad explosiva, ampliaron los límites del género. Esta ola británica no solo revolucionó el rock & roll, sino que lo internacionalizó en una decada intensa (1965-1975), convirtiéndolo en un lenguaje común para la juventud del mundo entero.

Pero como toda revolución, el rock & roll no se detuvo en su primer estallido. A medida que el mundo cambiaba rápidamente, también lo hacía su sonido. La juventud que bailaba frenéticamente en los años cincuenta transformó su percepción, creando una conciencia que cuestionaba guerras, sistemas y valores. Así, el rock se transformó en algo más profundo, más complejo: una música para pensar, para resistir, para sanar.

 

II. Woodstock y la transformación del rock: protesta y psicodelia

Los festivales fueron, sin duda, el escenario donde la comunión musical del rock se transformó en catarsis colectiva. El Monterey Pop Festival, celebrado en junio de 1967 en California, fue pionero en reunir a artistas como Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Who y Otis Redding, en un evento que combinó música, caridad y espíritu experimental. También el Festival de la Isla de Wight, en el Reino Unido, comenzó a gestarse desde 1968 como un espacio de encuentro entre el rock emergente y las multitudes europeas. Estos eventos demostraron que el rock podía trascender el formato de concierto para convertirse en un ritual masivo, preludiando lo que sería Woodstock: una explosión cultural sin precedentes.

El 15 de agosto de 1969, una granja en Bethel, Nueva York, se convirtió en el epicentro de una revolución cultural. Más de 400,000 jóvenes se congregaron para presenciar el Festival de Woodstock, un evento que comenzó como una celebración musical y terminó como un manifiesto generacional. El primer día empezó con Richie Havens, quien improvisó el himno “Freedom” ante la demora de otros artistas, marcando el tono espiritual y urgente del festival. Le siguieron actos de folk como Sweetwater, Bert Sommer, Tim Hardin y Ravi Shankar, cuya interpretación bajo la lluvia añadió una dimensión mística.

El segundo día, el sábado 16 de agosto trajo el poder del rock con la explosiva presentación de Santana, un joven guitarrista mexicano que aún no había publicado ni siquiera un disco de 45 rpm, pero su estilo musical hipnotizó a la asistencia por una fusión de rock, jazz y ritmos latinos. Su interpretación de “Soul Sacrifice” fue un climax del festival, con percusiones frenéticas, solos de guitarra cargados de espiritualidad y una energía que parecía canalizar el pulso colectivo de medio millón de seres. Ese día también se presentaron Janis Joplin, Creedence Clearwater Revival, The Who y Jefferson Airplane, quienes tocaron hasta el amanecer del domingo.

El tercer día, el 17 de agosto, culminó con la presentación de Crosby, Stills, Nash & Young, y finalmente, Jimi Hendrix cerró el festival el lunes por la mañana con una versión distorsionada y pausada del himno estadounidense. Su interpretación, cargada de feedback y disonancia, se convirtió en un grito eléctrico contra la guerra de Vietnam y en el símbolo sonoro de una generación que buscaba paz, conciencia y transformación. Toda su actuación en Woodstock, acompañado por su banda improvisada Gypsy Sun and Rainbows, fue una mezcla de blues, psicodelia y protesta sonora. Con su guitarra, Hendrix imitó el estruendo de bombas, sirenas y disparos, convirtiendo el “Star-Spangled Banner” en una obra de arte política. Fue el momento en que el rock dejó de ser solo música y se convirtió en un lenguaje simbólico, capaz de narrar el dolor colectivo y proyectar la esperanza de transformación.

Particularmente la ropa en Woodstock fue una explosión de libertad, espiritualidad y contracultura. Los jóvenes se liberaron de las estructuras rígidas favoreciendo el uso de túnicas, pantalones acampanados, blusas bordadas, ponchos, collares de cuentas, cintas en la cabeza y pies descalzos o con sandalias. Cada prenda hablaba de paz, de conexión con la tierra, de rechazo al sistema. Los colores eran vibrantes, los estampados psicodélicos, y los materiales naturales: algodón, lino, cuero sin tratar. Carlos Santana vestía con camisas sueltas y pantalones blancos, mientras Janis Joplin combinaba plumas, gafas redondas y collares múltiples. Jimi Hendrix, con sus chaquetas militares, pañuelos y pantalones de terciopelo, encarnaba la fusión entre protesta y teatralidad. Entonces la moda era ritual: cada atuendo en el escenario era una declaración política, espiritual o estética. El rock se vestía con libertad, con introspección, con deseo de transformación. La indumentaria no era accesorio, sino manifiesto. En Woodstock, cada cuerpo era lienzo, cada prenda una consigna, cada color una emoción compartida. Toda esa estética hippie no solo acompañaba la música: la amplificaba, la encarnaba, la volvía visible.

Por todo lo anterior, Woodstock no solo fue el clímax de una década convulsa, sino también el punto de inflexión que separó definitivamente al rock & roll de sus raíces bailables y juveniles. El evento mostró que el rock podía ser espiritual como Santana, visceral como Janis Joplin, teatral como The Who, filosófico como Crosby, Stills, Nash & Young, y profundamente visionario como Jimi Hendrix. A partir de este festival, el rock adquirió una identidad propia: más introspectiva, más experimental, más comprometida con las causas sociales.

Este giro también se reflejó en el surgimiento de las óperas rock que llevaron el género a territorios narrativos y escénicos más ambiciosos. En 1969, The Who estrenó "Tommy", una obra conceptual sobre un niño traumatizado que se convierte en líder espiritual, combinando rock, teatro y crítica social. En 1970, "Jesus Christ Superstar", de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, reimaginó la pasión de Cristo desde una perspectiva contemporánea, con guitarras eléctricas y coros que mezclaban lo sacro con lo rebelde. Y en 1979, Pink Floyd lanzó "The Wall", una introspección sobre el aislamiento, la guerra y la alienación, que se convirtió en una de las obras más influyentes del rock progresivo. Estas óperas rock mostraron que el género podía contar historias complejas, explorar emociones profundas y dialogar con el teatro, la política y la filosofía, por eso, lo que antes era solo un ritmo para bailar se transformó en música para pensar, para sentir, para protestar.

Desde entonces, el rock dejó de ser solo un entretenimiento juvenil y se convirtió en una forma de arte que podía narrar el mundo, denunciarlo o reinventarlo. El sonido que emergió en Woodstock—con sus guitarras eléctricas como grito, sus voces como manifiesto y sus escenarios como ritual—es el que predomina hasta hoy en las múltiples variantes del rock contemporáneo, que representan una constelación de estilos. El heavy metal, con bandas como Black Sabbath, Metallica y Iron Maiden, llevó la distorsión y la potencia a niveles extremos. El rock sinfónico, representado por grupos como Pink Floyd y Yes, incorporó arreglos orquestales y estructuras complejas. El tecno-rock y el synth-pop, con artistas como Depeche Mode y New Order, fusionaron guitarras con sintetizadores. También surgieron el punk (The Ramones, Sex Pistols), el grunge (Nirvana, Pearl Jam), el indie (Radiohead, Arctic Monkeys) y el rock alternativo (Red Hot Chili Peppers, Muse). Cada estilo conserva el espíritu del rock: la búsqueda de identidad, la crítica social y la energía transformadora.

 


III. El regreso del rock & roll: nostalgia y estilo

Mientras el rock evolucionaba en múltiples direcciones hubo una corriente nostálgica que seguía mirando hacia el pasado. En los años setenta, el movimiento rockabilly resurgió como un homenaje al espíritu original del rock & roll. No era solo una moda pasajera, sino una reivindicación emocional de los orígenes. Había fans de todas las edades, pero predominaban especialmente aquellos que habían crecido con Elvis Presley, Little Richard y Chuck Berry. Comenzaron a reunirse en clubes, festivales y producciones teatrales que celebraban la estética de los años cincuenta, como si quisieran detener el tiempo en una época donde el ritmo era rebelde, pero aún ingenuo.

Elvis Presley, aunque físicamente decadente por los años, seguía siendo el Rey. Su regreso en 1968 con el “Comeback Special” y su presencia magnética en Las Vegas durante los años setenta lo reafirmaron como un ícono eterno. Jerry Lee Lewis también volvió a los escenarios, con una mezcla de rock y country que mantenía viva la llama del piano incendiario y la actitud desafiante. El revival no solo recuperaba sonidos: recuperaba gestos, miradas, formas de estar en el mundo.

En 1971, el musical Grease debutó en Chicago, y su adaptación cinematográfica de 1978, protagonizada por John Travolta y Olivia Newton-John, se convirtió en un fenómeno global. Grease no solo contaba una historia de amor adolescente: era una carta de amor al rock & roll, a los peinados altos, a los autos brillantes y a los bailes en los diners y cafeterías. La película capturó el espíritu de una generación que, aunque ya adulta, seguía bailando al ritmo de sus recuerdos.

El rockabilly trajo consigo una estética nostálgica, cuidadosamente estilizada. Los hombres retomaron los peinados pompadour, las chaquetas de cuero, los jeans de corte recto y las botas tipo creepers. Las camisas con estampados retro, los pantalones de tiro alto y los lentes oscuros evocaban los años dorados del rock & roll, donde cada prenda era una declaración de actitud. Las mujeres lucían faldas circulares con crinolinas, vestidos entallados con estampados de lunares, complementados con tobilleras o tobimedias, sus labios rojos impecables y peinados altos con ondas marcadas. Era una estética que combinaba coquetería con fuerza, glamour con autonomía. En cada festival, club o escenario, la moda rockabilly se convirtió en una celebración visual del pasado. No era solo una copia: era una reinterpretación afectiva, una forma de rendir homenaje al espíritu original del rock & roll.

Entonces, este tercer momento no fue una simple repetición, sino una revalorización donde el rock & roll reclamaba su lugar como forma de expresión, de identidad, de pertenencia, en la memoria de muchos, negándose a desaparecer en un mundo que cambiaba rápidamente. La estética y el sonido se entrelazaban para resistir el olvido, para recordar que el origen del rock no solo fue musical, sino también visual, emocional y profundamente humano.

 

Finalmente

El rock & roll no solo es un género musical, es una pulsación cultural que atraviesa generaciones, cuerpos e imaginarios. Su origen, en los márgenes sonoros del rhythm & blues y el country, fue una chispa que encendió una revolución estética y emocional. Desde los primeros compases de Chuck Berry y los alaridos de Little Richard, el rock se convirtió en un lenguaje visceral, capaz de nombrar lo innombrable, de canalizar el deseo, la rabia, la euforia y la melancolía de una juventud que buscaba romper con los moldes heredados.

A lo largo de las décadas, el rock se transformó en ritual colectivo. En escenarios como Woodstock, se fundió con la tierra, el cuerpo y el espíritu, revelando su capacidad de convocar multitudes en torno a una experiencia sonora que era también política, espiritual y estética. Las guitarras eléctricas se volvieron armas simbólicas; los atuendos, manifiestos visuales; los gestos, coreografías de resistencia. Cada estilo—del glam al punk, del grunge al indie—aportó nuevas capas de significado, nuevas texturas emocionales, nuevas formas de habitar el mundo.

Hoy, el rock conserva una esencia: la búsqueda de autenticidad, la necesidad de expresión, el impulso de libertad. En sus acordes hay historia, pero también futuro. En sus letras hay protesta, pero también poesía. En su estética hay recuerdo, pero sobre todo memoria. En los siguientes videodocumentales se relata y se muestra algo del metraje de imágenes de todo aquello que rodeo al festival de Woodstock, el evento que definitvamente transformó al rock en un a experiencia total, y donde la identidad se construyó por entre las letras de las canciones, las voces, los acordes, los bailes y las expresiones de los asistentes.

Woodstock 1969

Woodstock, tres días que marcaron una generación (Parte I)


Fuentes de consulta

Las Historias del Rock. (n.d.). Chuck Berry: El pionero que definió el rock and roll.
https://lashistoriasdelrock.com/chuck-berry-pionero-definio-rock-and-roll

Onda Cero. (2025, agosto 6). Historia de las discográficas: llega el rock and roll [Podcast].
https://www.ondacero.es/programas/mas-de-uno/audios-podcast/jf-the-end/historia-discograficas-llega-rock-and-roll_202508066893370a5f8fa325be220c60.html

Expansión Life and Style. (2019, agosto 15). Woodstock 1969: Los tres días que cambiaron el mundo.
https://lifeandstyle.expansion.mx/entretenimiento/2019/08/15/woodstock-1969-los-tres-dias-que-cambiaron-el-mundo

Sonidos Retro. (n.d.). Festival Woodstock 69: Un concierto y evento histórico.
https://sonidosretro.com/decada/musica-de-los-60/festival-woodstock-69/

Freim TV. (n.d.). Rebel Cats: reinventando el rockabilly mexicano desde 2005.
https://www.freim.tv/rebel-cats-reinventando-el-rockabilly-mexicano-desde-2005/

Wikipedia contributors. (n.d.). Tommy (The Who album). Wikipedia.
https://en.wikipedia.org/wiki/Tommy_(The_Who_album)

Wikipedia contributors. (n.d.). The Wall. Wikipedia.
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Wall


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09 mayo 2025

Y tu mamá miente?

Las Madres mexicanas sostienen todo con su amor

La madre mexicana no es solo quien cuida y cría; es la esencia del hogar, el espíritu que da forma a la identidad de su familia. Desde tiempos inmemoriales, su presencia ha sido el sostén emocional y moral de generaciones, el eje sobre el que se construyen los valores y los lazos familiares. Su sacrificio no es grandilocuente ni busca reconocimiento: se manifiesta en actos cotidianos, en la mirada que entiende sin palabras, en la comida servida con amor, en el esfuerzo silencioso por dar lo mejor a los suyos, aunque signifique postergarse a sí misma.



Algunos retratos de la Mamá en el cine

El cine de oro mexicano ha plasmado distintas dimensiones de la maternidad: desde la protectora incansable hasta la madre silenciada por el destino.

1) En Los olvidados (1950), dirigida por Luis Buñuel, la maternidad se aborda desde una perspectiva cruda: la madre es una figura ausente, superada por la pobreza y la violencia, incapaz de ser refugio para su hijo. Un retrato desgarrador de una realidad que muchas mujeres han enfrentado en el país.

2) Por el contrario, ¡Acá las Tortas! (1951), dirigida por Juan Bustillo Oro, nos muestra a una madre luchadora, interpretada por Sara García. Aquí, la maternidad es resistencia pura: la mujer que sostiene a su familia a través del trabajo y el sacrificio, capaz de enfrentar desprecios y dificultades sin perder la esperanza ni el amor por los suyos.

3) Cuando los hijos se van (1969), dirigida por Julián Soler, presenta una maternidad marcada por la tragedia y el perdón. La madre, encarnada por Amparo Rivelles, enfrenta la separación de sus hijos con dolor, pero también con la sabiduría de quien sabe que el amor no depende de errores o decisiones equivocadas, sino de su capacidad infinita de comprensión.

4) Finalmente, El lugar sin límites (1978), dirigida por Arturo Ripstein, muestra una maternidad en un entorno adverso, donde el sacrificio y la lucha por la protección de los hijos se vuelve una batalla diaria. Aquí, la madre, interpretada por Lucha Villa, representa la fuerza femenina en tiempos difíciles.


Del hogar hacía el mundo

El rol materno en México ha cambiado con el tiempo. Antes, la vida de una madre mexicana giraba en torno al hogar, los hijos y las expectativas de una sociedad que veía en la maternidad su principal razón de ser. Pero los tiempos han cambiado y, con ellos, la madre mexicana ha encontrado nuevas formas de expandir su mundo sin perder su esencia. Hoy, sigue siendo la guardiana del hogar, pero también se ha convertido en una mujer empresaria, profesional, líder, activista. Se ha abierto paso proyectándose en espacios que antes eran ajenos, sin dejar de ser el pilar emocional de su familia, por eso la madre mexicana del siglo XXI no se limita a una sola función. Ahora, busca el equilibrio entre el amor familiar y su propio desarrollo personal, demostrando que el cuidado no está peleado con la independencia. La maternidad ya no es sinónimo de renuncia, sino de reinvención: mujeres que crían, que trabajan, que sueñan, que construyen su camino sin dejar de ser el refugio de sus hijos. Su evolución ha sido necesaria y poderosa, pero en el fondo, su esencia sigue intacta: amor infinito, entrega sin condiciones, fortaleza imparable.


Las Madres eternas y sus raíces que nunca se quiebran

Más allá de los cambios sociales, más allá de las distintas formas de ser madre en México, hay algo que permanece intocable: su amor como fuerza central de la familia. No importa el tiempo, la adversidad ni las circunstancias. La madre mexicana sigue siendo la columna que sostiene, el corazón que guía, la mano que da sin esperar. Un ejemplo de resistencia, de amor genuino, de esa ternura que sobrevive a todo. Porque cuando todo lo demás falla, ahí está ella, lista para sostener, abrazar y seguir adelante.


Las mentiras de Mamá

En 2016, la marca FUD quiso tocar fibras sensibles con su spot "Tu Mamá Miente", dirigido por Luis Mandoki y narrado por Diego Luna. La idea era mostrar esas pequeñas "mentiras" que todas las mamás dicen para protegernos, darnos ánimos o hacernos la vida más fácil. El spot muestra escenas cotidianas donde una madre esconde sus preocupaciones o exagera su optimismo para cuidar emocionalmente a sus hijos. Pero lejos de ser engaños, esta actitud proviene desde el amor filial y el deseo de verlos felices. La producción estuvo a cargo de la Agencia Terán-TBWA, con expertos como Martín Hernández en el sonido. El spot se transmitió en televisión, cine y plataformas digitales, logrando que más de una persona soltara las lágrimas y pensara en todo lo que su mamá se ha sacrificado. Porque sí ¡las mamás dicen "mentiras"! pero si algo nos enseña su vida y sacrificio es que siempre lo hacen por el amor a sus hijos.

A continuación posteo este grandioso spot y extiendo mi invitación para verlo, a todos aquello hij@s agradecidos con su querida mamá:

Atentamente                    
M.M. Perseo Rosales Reyes
Mayo 09 de 2025

Fuentes: 

Tu mamá miente: el video de Diego Luna y FUD para el Día de las Madres. Merca2.0 (9 de mayo de 2016). https://www.merca20.com/mama-miente-video-fud-diego-luna-dia-las-madres/


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29 abril 2025

Effie Awards México 2025: Estrategia, Creatividad y Resultados que Inspiran

M.M. Perseo Rosales Reyes
02 de abril de 2025

En la era digital, las campañas publicitarias han evolucionado significativamente, adaptándose a nuevos formatos y plataformas que amplifican su alcance e impacto entre las audiencias. Los medios de comunicación electrónicos y digitales han transformado la forma en que las marcas conectan con el público, ofreciendo herramientas de segmentación, interacción en tiempo real y acceso a métricas detalladas que permiten evaluar el rendimiento de cada estrategia. Esta evolución ha fortalecido el reto de crear campañas más dinámicas, centradas en la relevancia cultural y el feedback obtenido por la personalización del mensaje.

El impacto de estas campañas en el público es fundamental para su éxito. En un ecosistema digital saturado de contenido, las marcas deben lograr que sus mensajes sean no solo visibles, sino también memorables y capaces de generar una conexión genuina con los consumidores. La creatividad, al igual que la selección estratégica de medios digitales, redes sociales y plataformas interactivas que maximizan la difusión del mensaje y potencian su efecto sobre la percepción y el comportamiento de las audiencias, desempeñan un papel crucial en este proceso.

Este impacto no solo se refleja en métricas de engagement, awareness o ventas de la marca, sino también en el reconocimiento que reciben las campañas dentro de la industria publicitaria. Los Premios Effie Awards destacan aquellas estrategias que han logrado combinar creatividad, innovación y resultados medibles, por eso cada Effie Awards reconoce a lo mejor de la industria publicitaria y del marketing en cuanto a efectividad comprobada. Este certamen destaca las campañas que no solo son creativas, sino que logran impactar positivamente en los resultados comerciales y en la percepción de las audiencias.


La palabra Effie proviene del inglés effectiveness, que significa efectividad. Su nombre representa el objetivo principal del certamen: premiar las ideas que funcionan, es decir, aquellas campañas de comunicación estratégica que alcanzan resultados reales y medibles.

Origen de los Effie Awards

Los Effie Awards fueron creados en 1968 por la American Marketing Association (AMA), capítulo Nueva York, como una forma de destacar no solo la creatividad de las campañas, sino su capacidad para lograr cambios de comportamiento, posicionamiento de marca, ventas y otros objetivos clave. Hoy en día, se celebran en más de 50 países, convirtiéndose en uno de los estándares globales más importantes del marketing.

En México, los Effie iniciaron en el año 2000 con la organización de la Asociación Mexicana de Agencias de Publicidad (AMAP), actualmente los organiza la Alianza por el Valor Estratégico de las Marcas (AVE)Desde entonces, se han consolidado como el certamen más relevante a nivel nacional y destacado a nivel Latinoamérica, para evaluar y reconocer la eficacia publicitaria y de marketing, mediante una evaluación profesional rigurosa que valida el impacto real de las campañas.

Importancia de los Effie Awards México

Participar y ganar en los Effie Awards México representa un reconocimiento de excelencia dentro del sector para las agencias, sus cuentas, sus medios y sus marcas-cliente. Las fortalezas clave del certamen son:

  • Premian la efectividad real, no solo la creatividad.

  • Posicionan a marcas y agencias como referentes en pensamiento estratégico.

  • Fomentan buenas prácticas profesionales y el aprendizaje colectivo.

  • Impulsan el talento joven, a través de iniciativas como Effie College.

La rúbrica para participar y competir en los Effie Awards México se denomina Entry Kit México 2025, es la guía oficial para participar en cada edición anual del certamen, porque contiene información sobre fechas, criterios, categorías y estructura del caso, destacando los siguiente apartados: 

  • Periodo de elegibilidad: Campañas activas entre el 1 de enero de 2024 y el 31 de marzo de 2025.

  • Inscripción: 100% digital. Se debe documentar la situación inicial, objetivos, estrategia, ejecución y resultados.

  • Categorías: Por sector (finanzas, tecnología, consumo, etc.) y por enfoque estratégico (uso de medios, innovación, RSE...).

  • Evaluación: El jurado está conformado por líderes de la industria del marketing y la publicidad en México.

Campañas más sobresalientes premiadas recientemente

A lo largo de los años Effie Awards México ha premiado campañas destacadas no solo por su impacto comercial y emocional, sino también por su relevancia cultural, social e incluyente. Algunos ejemplos son:

  • "Buen fin, elige un viaje" – Aeroméxico (2024)

  • “Libertad de sentirte cómoda” – Saba (2024)

  • “Sal de esa relación tóxica” – SAP México (2023)


  • “Maternidad imperfecta (real)” – Marías Gamesa (2024)

  • “Hazlo + Fresh con Nescafé ICE” – Nestlé México (2024)

    • "La Cruz Roja te llama" – Cruz Roja México (2020)

    Estas campañas integraron una planificación estratégica sólida, creatividad empática y una ejecución impecable, obteniendo resultados medibles y duraderos.

    El desafío de las campañas en 2025

    A lo largo de los años, los Effie Awards México han sido un referente clave en la industria publicitaria y del marketing, reconociendo campañas que logran un equilibrio entre estrategia, creatividad y resultados medibles. Cada edición ha evidenciado la evolución del sector, donde el análisis estratégico, la conexión con las audiencias, la excelencia en ejecución y la selección óptima de medios de difusión han sido factores determinantes para el éxito de las marcas. La creciente importancia de los medios digitales y las redes sociales ha transformado las dinámicas de comunicación, redefiniendo la manera en que las campañas alcanzan a sus públicos y generan impacto.

    Para la edición 2025, el desafío será aún mayor. Las marcas y agencias participantes deberán demostrar no solo su capacidad de innovar, sino también su habilidad para adaptar sus estrategias a un entorno digital en constante cambioLa creatividad deberá ser más relevante y conectada con la cultura actual, la ejecución más precisa y efectiva, y la selección de medios más estratégica que nunca. En este contexto, los Effie Awards México 2025 consolidan su papel como un catalizador para la evolución del sector, elevando los estándares de la publicidad y el marketing en el país y sentando las bases para un futuro donde la efectividad y el propósito sean el motor de la comunicación de marca.

    Fuentes de consulta

    Para saber más sobre los Effie Awards México 2025:

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    01 abril 2025

    La crítica y aportaciones de David Ogilvy a la publicidad


    David Ogilvy, conocido como el "Padre de la publicidad moderna", revolucionó la industria al redefinir la forma en que las marcas se relacionan con su audiencia. Su perspectiva trascendió de la mera creatividad visual al proponer que la publicidad debía ser un puente emocional entre los productos y los consumidores, sin perder de vista la obtención de resultados tangibles. Este enfoque marcó un antes y un después, dejando un legado compuesto por siete aportaciones o mandamientos fundamentales, que continúan moldeando la manera en que se diseñan y ejecutan campañas publicitarias en la actualidad.

    1. El consumidor como eje central de toda estrategia Ogilvy sostenía que el éxito de cualquier campaña radica en una comprensión profunda del consumidor. Esto implica analizar sus deseos, emociones y necesidades, más allá de simplemente captar su atención. Hoy en día, este enfoque se refleja en estrategias como las de Bodega Aurrera, que conecta emocionalmente con las familias mexicanas mediante su personaje icónico, "Mamá Lucha." Este personaje simboliza las amas de casa mexicanas, destacando valores como inteligencia y ahorro, y utiliza elementos culturales, como la lucha libre, para generar empatía. La marca ha adaptado el personaje a las nuevas generaciones, integrándolo en plataformas digitales como TikTok y videojuegos como Fortnite. 1
    2. Medición exhaustiva del impacto publicitario Ogilvy promovía la evaluación minuciosa de las campañas para garantizar su efectividad, un principio que se ha optimizado con herramientas digitales modernas. Por ejemplo, Coppel utiliza su programa de lealtad Coppel Max para recompensar la preferencia de sus clientes y analizar datos sobre el comportamiento de compra. Mediante la acumulación de Dinero Electrónico por compras mayores a $100 y abonos puntuales, la empresa puede identificar cuáles promociones generan mayor fidelidad. Además, su aplicación móvil y página web permiten rastrear métricas en tiempo real, lo que facilita ajustar estrategias publicitarias según los resultados obtenidos y asegura una alineación con las necesidades de su audiencia. 2
    3. Comunicación directa y persuasiva Para Ogilvy, la claridad y sencillez en los mensajes eran esenciales para destacar en un entorno cada vez más saturado de información. Un ejemplo actual lo representa Telcel, cuyas campañas como "Conéctate con la mejor red" destacan beneficios específicos, como velocidad y cobertura 5G. Adicionalmente, Telcel emplea estrategias emocionales, como en su campaña "Te conectamos con lo que amas," que resalta experiencias significativas y momentos personales. 3
    4. El poder de las narrativas auténticas Ogilvy identificó el storytelling como una herramienta clave para captar la atención y generar conexiones emocionales. Grupo Modelo, a través de su marca Corona, ha utilizado campañas como "Un homenaje a México" para celebrar la riqueza cultural del país, integrando elementos icónicos de su tradición. Estas narrativas no solo conectan emocionalmente con los consumidores nacionales, sino que también proyectan un sentido de orgullo mexicano a nivel internacional. 4
    5. Diseño visual funcional y minimalista Ogilvy defendía que el diseño debía ser profesional y limpio, evitando elementos distractores. Este principio se observa en marcas mexicanas como Liverpool y Palacio de Hierro, que destacan por la claridad visual tanto en sus plataformas digitales como en sus espacios físicos. Sus interfaces priorizan la experiencia del usuario, resaltando productos y servicios de manera elegante, mientras que sus tiendas son reconocidas internacionalmente por sus conceptos vanguardistas de arquitectura y diseño. 5
    6. La investigación como pilar de las decisiones estratégicas Ogilvy promovía el uso de datos para fundamentar las decisiones publicitarias. En México, Bimbo aplica este enfoque realizando estudios de mercado para identificar las preferencias de consumo y lanzar productos innovadores. Por ejemplo, la oferta de panes integrales y sin gluten responde a la creciente demanda de alimentos saludables, asegurando que sus estrategias sean relevantes y alineadas con las expectativas de los consumidores. 6
    7. Autenticidad como elemento clave para construir confianza Ogilvy resaltaba la importancia de la honestidad en la comunicación, recomendando que los beneficios de los productos se presenten de manera transparente. Un ejemplo es Topo Chico, una marca mexicana que se ha ganado la confianza de los consumidores por su origen natural y su sabor único. Embotellada en Monterrey desde 1895, la marca utiliza su historia y leyendas, como la de una princesa azteca que viajó desde Tenochtitlán para refrescarse en sus manantiales, para reforzar su autenticidad y vínculo cultural. Este enfoque combina calidad, tradición e identidad, posicionando a la marca como un referente confiable. 7


    Entre las herramientas esenciales para crear publicidad Ogilvy recomendaba al marketing directo, que consideraba una forma eficaz de mantener la claridad y medir resultados tangibles, pues su enfoque se basa en la precisión, la personalización y la evaluación constante, permitiendo que los publicistas orienten sus esfuerzos hacia acciones concretas. Las características principales que destacan en esta herramienta son:

    • Precisión y claridad en los mensajes, lo que facilita captar la atención del consumidor y motivarlo a responder de inmediato.
    • Medición del desempeño mediante análisis continuos de métricas como las tasas de conversión o las ventas generadas por las campañas.
    • Conexión personalizada para construir una relación más cercana entre la marca y el cliente, generando un vínculo de confianza.

    Ogilvy también criticaba la tendencia a priorizar la creatividad visual sobre la funcionalidad. Para él, los mensajes abstractos y visualmente impresionantes que no conducen a resultados concretos fallan en cumplir el propósito fundamental de la publicidad: vender. Según su enfoque, un mensaje efectivo debe ser tan claro y personal como una carta dirigida al consumidor, guiándolo paso a paso hacia la acción deseada.

    Las ideas de Ogilvy siguen siendo una referencia indispensable para la publicidad contemporánea. Su enfoque nos recuerda que el equilibrio entre conexión emocional y eficacia tangible es crucial para diseñar campañas memorables y funcionales. En un entorno en constante cambio, sus aportaciones aún continúan inspirando a los publicistas, marcando un camino claro para enfrentar los desafíos del mercado actual. En el siguiente video el propio "Padre de la publicidad moderna" realiza su critica contra los publicistas generales:

     

    Fuentes de consulta:

    1. Malacara, Nancy. (27-03-2025). Mamá Lucha hizo que Bodega Aurrera sea una de las marcas más valiosas de México. Portal expansion.mx/. Disponible en: https://expansion.mx/mercadotecnia/2025/03/27/mama-lucha-eleva-valor-de-bodega-aurrera-en-mexico

    2. Televisa Digital (21-12-2020). Coppel reconoce tu preferencia con su programa de lealtad Coppel Max. Portal Las EstrellasTV. Disponible en: https://www.lasestrellas.tv/estilo-de-vida-1/coppel-reconoce-tu-preferencia-con-su-programa-de-lealtad-coppel-max

    3. Vidal, Hugo. (24-11-2017). Telcel te conecta con lo que amas a través de su nueva campaña. Portal The markethink "Piensa en mercadotecnia". Disponible en: https://www.themarkethink.com/publicidad/telcel-te-conecta-con-lo-que-amas-a-traves-de-su-nueva-campana/?form=MG0AV3

    4. Grupo Modelo. (s.f.). Un homenaje de Corona a México. Portal Grupo Modelo México. Nuestras Historias. Disponible en: https://www.grupomodelo.com/noticias/nuestras-historias/un-homenaje-de-corona-mexico?form=MG0AV3

    5. Garbulsky, Javier. (16-02-2015). Premios internacionales para El Palacio de Hierro y Liverpool. Portal masaryk.tv estilo socialité. Disponible en: https://masaryk.tv/166499/premios-internacionales-para-el-palacio-de-hierro-y-liverpool?form=MG0AV3

    6. Grupo Bimbo. (2022). Informe Anual Integrado 2022. Portal Bimbo. Disponible en: https://bimbo.xdesign.mx/informe-anual/2022/es/documents/grupo-bimbo-informe-anual-2022-para-ti.pdf?form=MG0AV3

    7. Santana, Alejandro. (08-01-2024). Agua mineral Topo Chico: Una historia que fluye desde las montañas de Monterrey. Portal mvs-hub. Radio. Monterrey Nuevo León. Disponible en: https://mvsnoticias.com/nuevo-leon/2024/1/8/agua-mineral-topo-chico-una-historia-que-fluye-desde-las-montanas-de-monterrey-621389.html?form=MG0AV3

     

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